photo d'Elian Bachini avec Simon Thorpe, les choristes de l'Opéra de Toulon et de Montpellier

Photo d'Elian Bachini avec Janice Baird et Anton Keremidtchiev

photo d'Elian Bachini avec Ricarda Merbeth et Stefan Vinke

photo d'Elian Bachini avec Ricarda Merbeth et Janice Baird

Photo d'Elian Bachini avec Janice Baird et Anton Keremidtchiev

photos d'Elian Bachini avec Simon Thorpe,Stefan Vinke, Anton Keremidtchiev, Bjarni Thor Kristinsson, Janice Baird et, les choristes de l'Opéra de Toulon et de Montpellier.

photo d'Elian Bachini avec Stefan Vinke, Ricarda Merbeth,Bjarni Thor Kristinsson, Janice Baird, Anton Keremidtchiev et, les choristes de l'Opéra de Toulon et de Montpellier.

de Richard Wagner

opéra romantique en trois actes livret du compositeur 
création : Weimar, Grosses Fürstliches Hoftheater, 28 août 1850

Chef d’Orchestre : Giuliano Carella
Metteur en scéne : Frédéric Andrau

Scénographie : Luc Londiveau
Lumières : Ivan Mathis
Orchestre et chœur de l’Opéra

Lohengrin : Stefan Vinke
Elsa : Ricarda Merbeth
Ortrud : Janice Baird
Friedrich von Telramund : Anton Keremidtchiev
Heinrich der Vogler : Bjarni Thor Kristinsson
Le Héraut : Simon Thorpe

Opéra de Toulon
Dimanche 29 janvier 14h30
Mardi 31 janvier & vendredi 3 février 19h30

une photo d'Elian Bachini avec Janice Baird

PRESSE:

IN CONCERTO -NICE MATIN 

Lohengrin retour Wagner opéra de Toulon 

Ce Lohengrin à l’opéra de Toulon était l’événement attendu de la saison. L’accueil triomphal, lors de la première, dimanche après-midi, en dit long sur son succès. Le public a applaudi, hurlé, battu des pieds, remercié,pendant vingt bonnes minutes.
Une belle distribution, une direction musicale grandiose et une mise en espace intelligente ont fait du retour d’un Wagner sur la scène toulonnaise une réussite éclatante.
Les spectateurs en parlaient encore le lendemain…

La force et les contrastes de ce Lohengrin ont été superbement soutenus par l’orchestre, dirigé par le maestro Giuliano Carella. Ce chef d’envergure, féru du répertoire italien a relevé le défi de cette œuvre difficile, pour faire émerger une musique sublimée, justement équilibrée entre le faste, le fébrile, le lyrique et la douceur mélancolique. La recette a fonctionné, soutenue par les chanteurs, tous engagés dans un travail collectif exemplaire.
Lors de la première, dimanche après-midi, le baryton Anton Keremidtchiev avait annoncé quelque faiblesse due à une indisposition. Face à une superbe Ortrud (Janice Baird) il s’est montré extraordinaire. Riccarda Merbeth, qui a remplacé au pied levé Anna Gabler souffrante (dans le rôle d’Elsa), a apporté la preuve de l’étendue et la puissance de sa voix, ainsi que de la sûreté de ses aigus. Le ténor allemand Stefan Vinke (Lohengrin) possède un art sûr du phrasé et une qualité de chant incontestable.
Saluons également le Roi Henri (Bjarni Thor Kristinsson), le baryton Simon Thorpe, les quatre nobles qui aussi ont remporté un énorme succès. Le chœur, dirigé par Christophe Bernollin (pour le celui de Toulon) et par Noëlle Gény (pour celui de Montpellier) a assuré une belle présence et quelques beaux frissons. Grandiose, lui aussi, malgré quelques faiblesses au deuxième acte.
Un univers épuré
Le metteur en scène Frédéric Andrau a travaillé avec peu de moyens sur un univers épuré et sur l’évocation des événements. La sobriété de cette mise en espace, l’élégance de la scénographie (Luc Londiveau) et la beauté des éclairages (Ivan Mathis) ont permis de se concentrer sur cette merveilleuse musique et sur les voix. Quel bonheur ! Quelques astuces scéniques bien menées, des trompettes en écho dans les coulisses et dans les loges et mille subtilités psychologiques ont amplifié l’atmosphère de pureté et de mystère surnaturel, lié à l’œuvre de Wagner.
On peut ainsi considérer que ce Lohengrin marque une étape importante de la montée en puissance de l’Opéra de Toulon dans le panorama lyrique européen.

 Rédigé par Jacqueline Cnobloch le 01/02/2012

 

 

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Lohengrin n’est pas resté en rade ! par Maurice Salles     Fameuse pour sa rade, Toulon abrite un opéra qui fut longtemps une sorte de conservatoire de la tradition, au sens péjoratif du terme. Depuis 2002 Claude-Henri Bonnet tâche de le ramener à la vie, en programmant autant que possible (et au grand dam de certains) des œuvres sortant des sentiers battus. Lohengrin est de celles-là, dans une maison où le répertoire italien exsude des murs. Mais ce choix d’une œuvre exigeant des moyens humains extraordinaires – musiciens et choristes supplémentaires, artistes rompus au chant wagnérien – ne relevait-il pas d’une ambition démesurée et n’annonçait-il pas un échec programmé ?   Après la première, on peut se prononcer : ni la commisération ni l’ironie ne sont de mise. Sans doute tout n’était-il pas impeccable, mais aucune des imperfections relevées n’est assez grave pour laisser l’impression durable d’une insuffisance rédhibitoire. Bien au contraire, il reste le sentiment exaltant d’une œuvre portée par la passion des participants, conscients de la difficulté et tendus tout entiers à donner le meilleur d’eux-mêmes.   Réaliste et tenue par son budget, pour mettre sur pied une œuvre dont Wagner disait que « le drame est dans la musique » mais qui s’apparente au grand opéra, la direction  a misé sur la musique et sur les voix, leur sacrifiant costumes et mise en scène. Et pourtant le spectacle épouse la musique, les actions et les affects des personnages ! Dans la scénographie de Luc Londiveau, la scène est divisée en deux parties où se répartissent hommes et femmes, Flamands et Germains, séparés par un praticable central surélevé où circulent les personnages principaux. Ces espaces signifiants, que des jeux de rideaux occultent ou dévoilent, reçoivent les lumières d’Ivan Mathis, dont la direction et l’intensité accompagnent les épisodes du drame, qu’elles tombent du ciel ou jaillissent des coulisses. Acteur lui-même, Frédéric Andrau a manifestement étudié l’œuvre à fond : les attitudes et les gestes des personnages, solitaires ou en interaction, en un mot leur être, émanent autant de la musique que des personnalités ou des situations. Solitude morale d’Elsa, velléités de Telramund, chatteries menteuses ou voluptueuses d’Ortrud, chasteté prude de Lohengrin, aucun affect n’est négligé. Même le Héraut, traité en majordome et maître de cérémonie, prend un relief et une vie inattendus. Beaux exemples du raffinement de ce travail, le traitement du duel où en lui prenant sa veste d’un seul mouvement Lohengrin dépouille Telramund de son surmoi, ou l’Ortrud prostrée à la fin du premier acte que l’on retrouve telle quelle, après l’entracte, au début du second, rétablissant ainsi la continuité interrompue par les contingences.   Cette réussite visuelle et dramatique accompagne une indéniable réussite musicale. Certes, quelques rares flottements se produisent dans l’enchevêtrement des chœurs au deuxième acte, certes l’émission du Roi est parfois brouillée, certes tous les graves d’Ortrud ne sont pas audibles, certes au troisième acte le vibrato d’Elsa devient sensible, et Lohengrin n’est pas à la fête. Et pourtant ces « faiblesses » ne suffisent pas à gâcher le plaisir parce qu’une réussite successive les fait oublier, ou parce que de façon paradoxale elles contribuent à la vie dramatique de l’œuvre.   © Elian Bachini   Ainsi à côté du héraut plastronnant et claironnant – Simon Thorpe – le Telramund d’Anton Keremidtchiev, annoncé souffrant, peut-il sembler  légèrement effacé pour incarner un chef de guerre ; ce serait oublier qu’ici Telramund est essentiellement le jouet de la ténébreuse Ortrud, et le chanteur exprime pleinement la faiblesse de l’homme devant la femme qui le domine. Janice Baird n’a pas tous les graves du rôle, mais qu’elle se fasse enjôleuse auprès d’Elsa ou qu’elle darde ses aigus chargés de venin, son Ortrud donne le frisson. En face d’elle, non Anna Gabler, terrassée par une bronchite, mais une remplaçante de luxe, Ricarda Merbeth, pour qui le rôle d’Elsa n’a plus de secret et qui a les moyens de l’assumer avec probité et crânerie. Une fois échauffée, elle en a libéré la lumière de l’innocence aussi bien que le trouble coupable de celle qui se parjure, admirable et émouvante. Quant au roi de Bjarni Thor Kristinsson, hormis cette émission déconcertante qui la fait sonner par instant dans les joues, la voix ne manque ni de poids ni de profondeur et le personnage, bienveillant, voire compatissant, est juste dramatiquement. Lohengrin, enfin. Avant même d’apparaître, tandis que Stefan Vinke chante en coulisse l’adieu au cygne, cette voix d’une clarté angélique nous a déjà séduit : c’est bien celle de l’envoyé du ciel. Sa présence physique n’enlève rien au charme, que prolongent les teintes mariales de ses vêtements. Peu à peu, et tout au long du deuxième acte, la couleur vocale change, s’assombrit, se fait plus ocre, au fur et à mesure que l’inconnu s’ancre dans les affaires des hommes. Au troisième acte, hélas, la fatigue se fait entendre ; à l’émission fluide et comme naturelle du début succèdent des efforts sensibles. Et pourtant cela passe, car le héros est alors au comble de son épreuve terrestre ; la difficulté vocale devient l’expression sensible de sa souffrance, et n’entache pas la prestation !   Wagner savait l’importance de la direction d’orchestre, pour que son drame conserve le « bon » rythme. Aurait-il aimé celle de Giuliano Carella ? Quelque spirite nous le dira peut-être. Ce qui est sûr c’est que le directeur musical de l’Opéra de Toulon, qui dirige l’œuvre pour la première fois, aime Lohengrin, qu’il aborde avec une ferveur proche de la vénération. On le perçoit dans sa concentration quasi-palpable, comme une immersion, dont une particulière sobriété gestuelle semble destinée à préserver la profondeur bien qu’il veille sans trêve au respect des infinies nuances. Autant qu’un chef, on croirait voir un prêtre. Les musiciens permanents, augmentés d’extras parmi lesquels d’anciens solistes de l’opéra de Paris, ont probablement adhéré au culte, excités par l’ampleur de l’entreprise. Sans doute çà et là se souvient-on de plus d’expressivité, de plus de transparence ; mais outre le fait que notre écoute est conditionnée par l’imposture des réalisations sonores enregistrées, revues et corrigées, il reste que sur la durée et la difficulté les différents pupitres s’en tirent avec honneur, cordes et vents en particulier. Les trompettes royales sonnent sans reproche, et la modification de leur situation dans l’espace entier du théâtre recrée de façon satisfaisante les effets de profondeur ou d’éloignement voulus par le compositeur. Cette variété d’effets est évidemment impossible pour les chœurs, eux-mêmes d’une tenue remarquable à deux brefs décalages près, mais encore une fois, les enregistrements nous ont probablement trop gâtés. Quand à l’équilibre sonore entre la fosse et le plateau il semble aller de soi, c’est dire sa qualité !   Lohengrin, on le sait, peut être considéré comme un manifeste esthétique, le héros incarnant l’artiste cherchant en vain sa place dans le monde, entre idéal et réalité. Ce compromis a priori impossible, cette représentation toulonnaise prouve pourtant qu’il est accessible, à notre grand bonheur !

Richard WAGNER   Lohengrin Opéra romantique en trois actes Livret du compositeur Créé à Weimar (Hoftheater) le 28 août 1850   Mise en espace Frédéric Andrau Scénographie Luc Londiveau Lumières Ivan Mathis   Lohengrin Stefan Winke Elsa Ricarda Merbeth Ortrud Janice Baird Friedrich von Telramund Anton Keremidtchiev Henrich der Vogler Bjarni Thor Kristinsson Le Héraut Simon Thorpe   Choeur de l’Opéra de Toulon Chef de chœur Christophe Bernollin Chœur de l’Opéra National de Languedoc-Roussillon Chef de chœur Noelle Gény   Orchestre de L’Opéra de Toulon Direction musicale Giuliano Carella   Toulon, le 29 janvier 2012

Il n’est pas si fréquent au mélomane toulonnais d’aller écouter Richard Wagner in loco. Faut-il le rappeler ? Les maisons d’opéra du sud de la France et ceux qui les fréquentent portent plus naturellement leur intérêt vers le bel canto, plus largement le répertoire italien, avec quelques avancées dans le catalogue français. Aussi se souvient-on d’y avoir vu un Parsifal à l’hiver 2010 (Nice) et une Walküre au printemps 2007 (Marseille) ; c’est peu. Programmer un « grand » Wagner (pas Fliegende Holländer, par exemple) à Toulon fait donc figure d’événement. Aussi les lieux paraissent-ils, de prime abord, s’y prêter relativement mal ; et pourtant… Le choix d’une mise en « espace » plutôt qu’en « scène » de la part d’un directeur qui mise le maximum sur l’excellence de sa distribution semble le plus sage, quand bien même certains pupitres d’un orchestre plus développé que le permettent les proportions locales occupent-ils bravement les baignoires (de fait, il en va exactement de même si l’on joue Wagner à Bordeaux, Nancy, Strasbourg, etc.).

Claude-Henri Bonnet a confié les clés de Lohengrin à Frédéric Andrau dont nous avions apprécié le travail pour L’enfance du Christ (Berlioz), ici-même il y a trois ans [lire notre chronique du 27 février 2009] ; nous retrouvons la même équipe, avec Ivan Mathis aux lumières et Luc Londiveau pour la scénographie. Le dispositif est sobre, aisément utilisable, idéal pour un ouvrage qui principalement convoque des tribunaux. Et l’on se surprend à trouver plus d’une fois la proposition d’une efficacité troublante, partant que les chanteurs l’habitent avantageusement, sans qu’on en puisse attendre, cela va de soi, de lecture hautement symbolique. Une passerelle centrale délimite deux « réservoirs » choraux et se conclut dans une coursive de haut de scène d’où sonnent les cuivres dramatisés. Quelques options de théâtre, toutefois, comme l’enfant qui traverse de sa délicate diaphanéité le tulle brumeux en fin de Vorspiel, comme le Héraut se faisant chef de chœur, fonctions qu’il cumule à celles de rapporteur de l’État, de maître de cérémonie, voire de grand manitou de la propagande, autant de petites touches qui tendent à faire sortir de son cadre la mise « en espace » annoncée. Et à parler espace, celui de ce soir, à se laisser dessiner par les contrastes d’éclairage, s’avère suffisamment évocateur, à l’instar, peut-être, des productions signées Wieland Wagner – pour ce qu’on en connaît à travers les documents conservés (il appartient à la génération qui les aborda en leur temps de démentir ou non ce propos).

Surprise, encore, d’entendre Giuliano Carella dans cette musique ! Non seulement sa lecture se révèle pertinente et soignée, mais encore lui imprime-t-il un lyrisme d’une tendresse fervente qui, plutôt que de se fossiliser en excessive solennité, se love, fluide, dans la veine enchanteresse de la partition. S’étonnera-t-on d’un je-ne-sais-quoi d’italien dans l’interprétation, un côté qui n’a certes rien d’antagoniste avec le Wagner de cette époque, voire avec ce que le compositeur recherchait dans une voix ? Que certains chœurs s’articule sur un mouvement bellinien n’est pas un non-sens, bien au contraire, il convient de le rappeler. Au service de son expressivité, l’Orchestre de l’Opéra de Toulon affirme de nets progrès qui donnent à penser la positive émulation suscitée par un tel projet, capable de tirer les forces maison vers le haut. Ainsi des cuivres pugnaces, de violoncelles et contrebasses musclés, avantageusement impactés, mais encore des artistes du Chœur de l’Opéra de Toulon et de ceux de l’Opéra national de Montpellier à leur prêter gosiers-forts (respectivement préparés par Christophe Bernollin et Noëlle Gény), dont on saluera particulièrement les éléments masculins.

Lohengrin, outre un orchestre omniprésent qui, à lui seul, raconte beaucoup, et un chœur qui, pour ainsi dire, le rend publique, c’est aussi de grandes voix. Le style épique attendu lorgne par moments de l’autre côté des Alpes, assurément, avec quelques points d’orgue assez ostentatoires, mais nous entendons là un plateau de haute tenue dont on saluera tant les prestations solistiques que les ensembles, avantageusement équilibrés et minutieusement conduits. Des quatre nobles, Kakhaber Shavidze retient l’attention. Timbre corsé, aigu cuivré, projection incisive caractérisent le Héraut de Simon Thorpe. L’Islandais Bjarni Thor Kristinsson paraît en petite forme, aujourd’hui, avec un aigu assez aigre, une ligne qui jamais n’atteint la plénitude souhaitée, une puissance manifeste qui, paradoxalement, semble quelque peu écrasée. Quoiqu’annoncé souffrant en lever de rideau, le baryton Anton Keremidtchiev offre un chant souple, direct, à Telramund. À peine pourrait-on supposer ses intervalles plus faciles d’habitude ou la clarté de la couleur plus brillante encore.

Après l’avoir applaudie en Isolde et en Brünnhilde [lire nos chroniques du 8 mars et du 20 mai 2007], nous reconnaissons l’idéal métal de Janice Baird qui campe ici une Ortrud sobrement enjôleuse, quand elle n’est pas génialement lascive et perverse. Si le grave est un peu dur, toutefois (est-ce un rôle de soprano dramatique qui a du grave ou de grand mezzo qui ne plafonne pas, « that is the question »), le chant se déploie toujours large, puissant et sensiblement nuancé. Présente à maintes reprises sur la scène toulousaine, mais encore à Paris, Ricarda Merbeth livre une Elsa toute de subtilité, surfant délicatement sur la réserve à l’Acte I, menant adroitement le faîte du chant par la suite, faisant toujours profiter d’une opulence vocale utilisée avec discernement. Enfin, survenant des coulisses, la première « apparition vocale » de Lohengrin prend des atours d’enfantine pureté grâce à l’émission exquise et claire de Stefan Vinke. Par la suite, on retrouve les qualités de fermeté du ténor allemand qui signe une incarnation de grande tenue.

BB

CONCERT CLASSIC

le 05 Février 2012 -  Lohengrin à l’Opéra de Toulon – Celui qu’on n’attendait plus…

@Elian Bachini Inutile de surcharger la symbolique de Lohengrin : elle est bien assez évidente – dieux et héros, spiritualité et ésotérisme chrétiens face aux résurgences d’un paganisme barbare, érotisme et platonisme, nuit et lumière, enfin une germanité grondante prête à exploser. C’est donc avec un bonheur total qu’on se laisse emporter au cœur de ces forces avec pour guide la claire mise en espace – en fait une vraie mise en scène – de Frédéric Andrau, scénographiée par Luc Londiveau, sur le plateau de l’Opéra de Toulon. Un événement pour la maison, et une vraie réussite tant on est heureux d’être, sans tomber dans le caractère ingrat des versions de concert avec lunettes, pupitre et bouteille d’eau, libéré des tentatives extravagantes qui tentent de revivifier les œuvres à coup de persiflages et d’enfantillages, comme les récents Faust et Manon de l’Opéra de Paris, vraies blessures infligées au public et aux compositeurs. Bravo donc pour cette scène structurée de registres d’ombres et de lumières bleues, avec juste quelques dénivellations qui permettent le positionnement des solistes et des choristes et dégagent les lignes de force.  On a surtout apprécié la caractérisation psychologique très éloquente du quatuor : pureté foudroyante de Lohengrin le blanc face au mal absolu incarné par Ortrud, néant de Telramund, humain égaré entre ses devoirs et ses passions, enfin innocence flottante et dupée d’Elsa. Autant que des valeurs métaphysiques, l’affrontement des faibles et des forts, dégageant notamment le côté looser de Telramund, possédé par la passion érotique qui l’enchaîne à sa sorcière : un couple fusionnel, en regard de l’attirance contenue, presque paralysante d’Elsa et de Lohengrin, anticipant sur l’inexistence de leur union. Cette vision intelligente est portée, magnifiée par de superbes interprètes, parfaitement complémentaires. Malgré des changements de distribution de dernière minute, et non des moindres puisqu’il s’agissait d’ Elsa et Ortrud, le directeur, Claude Henri Bonnet, a pu rassembler une distribution de premier ordre, où brillait l’Elsa inspirée et puissante de Riccarda Merbeth, le Telramund au beau timbre clair, à la présence sensible et émouvante d’Anton Keremidtchiev, très loin des sombres figures habituelles, tandis que Janice Baird compensait par son tempérament volcanique les difficultés qu’impose ce rôle de mezzo à ses aigus de soprano. Mais la meilleure surprise est venue de celui qu’on espérait sans y croire, tant les ténors capables de l’incarner sont rares, le Lohengrin de Stefan Vinke, chanteur de bonne réputation mais qu’on connaît mal en France : des aigus clairs et scintillants, quoiqu’un peu affaiblis vers la fin, une présence à la fois charnelle et translucide, un charme singulier. Tout cela ne serait rien sans la puissante baguette, l’énergie et charisme de Giuliano Carella  qui fédère et obtient des merveilles de l’Orchestre de l’Opéra de Toulon, transcendé par l’aventure, y jetant tout, même ses défauts, à commencer par les cuivres. Reste le point faible, le décalage des chœurs pourtant couvés par le chef, qui ne les quittait pas de la baguette. Cela n’a pas refroidi l’émotion du public et son enthousiasme pour ce spectacle d’envergure internationale. Jacqueline Thuilleux

         @Fred Stephan

D’après Denis Diderot 

Mise en scène : Nicolas VAUDE

Adaptation : Christelle REBOUL et Marie-Laurence TARTAS

Avec : Christelle REBOUL, Marie-Laurence TARTAS, Frédéric ANDRAU,

et Christine PLUBEAU à la viole de Gambe

Mon envie est de donner à entendre ce texte sublime écrit pour les femmes. La Religieuse, en son temps scandaleuse, m’a fait adorer Diderot. La présence mélancolique de la viole de Gambe ponctue les tourments de Suzanne, recluse et manipulée… mais luttant pour sa liberté.

Nicolas Vaude

Que je trouve les portes ouvertes un jour ; que le feu prenne à la maison ; que les murs de la clôture tombent ; que quelqu’un me secoure. Quand je suis dans ma cellule, je saisie les barreaux, je les ébranle, quand je regarde par la fenêtre, si j’entends passer quelqu’un, mon cœur palpite… J’espère.

La Religieuse

Les Trois Coups.com 

 

Nicolas Vaude s’appuie sur une fine adaptation du roman de Diderot pour signer un spectacle âpre et sans concessions.

 

Christelle Reboul et Marie-Laurence Tartas

« la Religieuse » | © Benjamin Dumas

 

On s’attendait à se lover dans les fauteuils et le décor chaleureux du Théâtre du Ranelagh ; on aura le foyer, avec 25 spectateurs en bas et un peu moins en haut. En guise de décor, la porte d’entrée de la salle, ses boiseries élégantes, mais suggérant ici intelligemment le couvent, ses conventions, ses scléroses. Les vitraux des battants surmontés d’une devise en latin ainsi qu’un minuscule bénitier achèvent de créer l’illusion. Il n’y a quasiment pas d’accessoires : deux chaises, un canapé recouvert d’un drap rouge, et une sorte d’étroite barrière en bois : prie-Dieu ? Barre des accusés ?

 

Arrive la religieuse. L’air déjà dévastée, abrutie par on ne sait quoi, mal fagotée, mal coiffée. Elle s’appuie à la barre et, légèrement de côté comme un duelliste s’apprêtant à recevoir ou à donner le coup fatal, elle lâche, sans ciller, d’une voix raide, les premiers mots de son histoire. Le ton est donné : sec, sans afféterie, saisissant d’emblée le spectateur tout proche.

Cette histoire, c’est celle de Suzanne, fille bâtarde enfermée contre son gré dans un couvent, transférée ensuite dans un autre, à défaut de pouvoir quitter la vie religieuse. L’adaptation renforce le caractère universel, sans concessions de cette charge contre l’enfermement, l’aliénation, et pour la liberté individuelle. Une charge qui résonne, encore aujourd’hui, avec une puissance inaltérée, quand Frédéric Andrau, incarnant l’avocat de Suzanne, proclame « la prérogative inaliénable de l’homme : la liberté ! ». Plus actuel, on ne fait pas… Et pourtant, le spectateur est en cet instant schizophrène : il vibre à la beauté sauvage de la dénonciation (« Où est-ce qu’on voit des têtes obsédées par des spectres impurs qui les suivent et les agitent ? Où est le séjour de la gêne, du dégoût et des vapeurs ? »), mais devine aussi au même instant que rien ne sauvera Suzanne, plaignante misérable d’un procès inique.

Et le spectacle de finir comme il avait commencé : la narration par Suzanne de ses premières années. Procédé évident, mais très efficace, effrayant même. Avec ces décors réduits, tout concourt à donner l’impression de l’enfermement dans le temps et dans l’espace. En plus, contrairement à ce qui se passe chez Diderot, il n’y a ici aucune indication de lieu ni de temps. À la place, la sensation écrasante de la répétition sans fin, qui met le spectateur dans la peau de l’héroïne.

Du sens grâce à des détails

De même, autour de Suzanne, il n’y a que deux comédiens, un homme et une femme, qui incarnent tous les autres personnages, bons ou méchants, bornant là aussi sans espoir le paysage de la pauvre fille. Frédéric Andrau est excellent, même si on entend avec déplaisir dans les cinq premières minutes un pénible « Est-ce de votre gré que vous êtes venue-z-ici ? ». Après, heureusement, plus rien de la sorte, l’acteur livre au contraire une prestation limpide et puissante, passant très subtilement d’un personnage à l’autre. Même chose pour Marie-Laurence Tartas, qui incarne des supérieures tyranniques ou par trop caressantes. Mais, là encore, par rapport au roman, le nombre de personnages a été réduit, ce qui permet de rendre le texte et les situations dramatiques plus acérés encore.

Dans ce monde répétitif, normé, désespérant, seul le son d’une viole de gambe échappe à la tyrannie, reflétant dans ses accents intimes, mélancoliques ou angoissants, la vie intérieure de Suzanne. Cela contribue à entretenir un certain mystère autour de ce personnage : jusqu’à quel point est-elle naïve ? Victime, elle n’en reste pas moins volontaire. C’est toute la réussite de l’interprétation de Christelle Reboul, petit bout de femme au nez rougi par les pleurs, mais toujours debout, comédienne marchant sur un fil, donnant du sens grâce à des détails. Comme cette série de « oui » désincarnés, dits d’une voix un peu trop aiguë, au prêtre qui lui pose les questions qui vont faire d’elle une religieuse pour le restant de ses jours. ¶

 Céline Doukhan

J’ai vu ce spectacle, dimanche 19 février 2012 au Théâtre du Ranelagh

Christelle Reboul et Frédéric Andrau

La présentation (je préfère à représentation) se fait dans le foyer du théâtre. Au 1° rang, j’ai reçu ce spectacle avec beaucoup de force, d’émotions, de rires contenus, de sourires. Avoir Suzanne à ses pieds pour la prononciation des vœux, voir la mère supérieure séductrice de Suzanne à 2 mètres, c’est être au plus près des affects, sans tricherie possible, tant pour les comédiens que pour le public.

C’est la principale qualité de ce spectacle, son interprétation par des comédiens qui font tout passer ou plutôt laissent tout passer, se laissent traverser.

Christelle Reboul en Suzanne Simonin est bouleversante, touchante. J’ai jubilé à ses répliques qui mettent à mal tous ceux qui veulent son bien, son obéissance, son corps. Cette rebelle de 17 ans, au départ de son histoire d’enfermement, d’incarcération au couvent, fait preuve d’une maturité étonnante. Elle a une boussole et celle-ci a pour nom LIBERTÉ, ce pouvoir premier, absolu, infini, de l’homme de  dire NON comme  Jean-Paul Sartre, hier, aujourd’hui, Marcel Conche, (La Liberté, Encre Marine, 2011) nous proposent de définir l’homme : libre d’abord, ce qui veut dire que c’est cette liberté première qui nous permet d’effectuer nos libérations successives d’aliénations, de conditionnements divers. En quoi, la démarche rebelle de Suzanne est très différente de tout un tas de démarches mettant en premier les aliénations, soumissions (volontaires ou non). Ce n’est pas la même chose de se sentir libre, y compris de se tuer, se suicider, pour progressivement ou radicalement se libérer des bourreaux, des maîtres chanteurs ou de se sentir prisonnier, embarqué et prenant conscience, de vouloir se libérer.

Suzanne nous fait rire par certaines de ses répliques qui paralysent ses geôlières, stoppent leurs diverses formes de harcèlement. Elle montre le pouvoir de la liberté, trop souvent refusé par nous, en toute mauvaise foi comme Sartre l’a analysé, la faute aux autres, aux circonstances, jamais à nous, à notre lâcheté, à notre irresponsabilité. C’est cette liberté qui fait qu’on peut être libre même dans les pires situations, en camp par exemple. Ou qui permet à Socrate de boire la cigüe. Ne nommait-on pas musulmans les prisonniers qui se laissaient aller à leur arrivée en camp ? Ce fatalisme est le contraire de notre liberté ontologique, si nous acceptons cette vision de la liberté. Le pouvoir de dire OUI vient après le pouvoir de dire NON et le pouvoir de dire OUI n’est pas infini, il est non pas limité (on retrouverait la conception des déterminations dont on se libère progressivement) mais limitant (la libre Suzanne n’est pas limitée par toutes sortes de limitations, de déterminations extérieures, elle se limite elle-même par ses choix intimes). Selon cette conception, l’homme libre, bien que né et vivant dans un monde daté, marqué, plein de significations préexistantes, s’individualise, devient cause de lui-même parce qu’ouvert à la vérité et à l’universel, en recherche, se servant de la raison en vue du juste, du vrai, du bien, du bon, du beau. Libre arbitre, actes libres, vie libre dans la durée, autant de pistes ouvertes à Suzanne. Certes, elle perd son procès, certes, elle a la foi mais elle sait que la foi ne justifie pas les traitements qu’on lui inflige, certes, elle ne quittera pas le couvent de la meilleure façon d’où son mémoire au marquis mais intérieurement elle a gagné, elle reste libre de dire NON puis OUI.

Les deux autres comédiens ont un statut plus complexe, ils sont la voix de plusieurs personnages. Marie-Laurence Tartas est la voix de la mère, des mères supérieures, toutes expertes en chantage,  harcèlements divers, sauf la première. Nous transposons très facilement cet univers où on enferme contre son gré, pour de mauvaises raisons, à d’autres univers d’enfermement actuels, de la famille traditionnelle de certains pays à l’univers des prisons, des hôpitaux, des asiles, des maisons de retraite, des mouroirs … Couvent, mariages forcés, arrangés, enfermements, abandons, le monde exclue en masse, exige obéissance, soumission, pratique le chantage, use de tous les procédés du harcèlement, à la maison, au travail …

Frédéric Andrau est la voix de Suzanne, la voix de l’avocat, la voix des pères spirituels … voix de narrateur aussi, ce qui permet de suspendre le jeu, de ne pas représenter ce qui est raconté et nous laisse à notre imagination, regardant avidement les gestes arrêtés de Madame ***, supérieure du couvent d’Arpajon, désireuse de caresser Suzanne. Avec la diversité des partitions s’introduit l’ambiguité ; on ne saisit pas toujours avec netteté qui parle ? Les glissements entre les pères spirituels et l’avocat permettent d’introduire une forme de sensualité, du désir peut s’esquisser, du possible peut émerger, la liberté sait se saisir ou pas de ce que l’aléatoire produit, propose. Je signale au passage l’extraordinaire modernité de la plaidoirie contre les trois vœux de pauvreté, de chasteté, d’obéissance, plaidoirie qui fait perdre à Suzanne son procès car de telles vérités ne pouvaient être entendues à l’époque. Aujourd’hui, elles sont pleinement recevables mais pas dans les milieux les plus traditionalistes.

Bref, un spectacle au service d’un grand texte qui mériterait de tourner largement. Dans quel format ? Intimiste pour 50 spectateurs ou pour jauge plus grande, 200 spectateurs et plus ? On aura une réception différente, moins charnelle peut-être mais tout aussi forte au niveau des enjeux du texte, des situations et des personnages.

Je n’insiste par sur la prestation de la viole de gambe. Je ne suis pas sûr de la nécessité de sa présence aussi insistante.

En tout cas, merci aux artistes, au metteur en scène, Nicolas Vaude, qui a travaillé dans la sobriété des moyens, des lumières, des costumes et des accessoires, a su trouver les comédiens qui allaient porter ce texte. Bons vents à ce spectacle au moment où  se prépare le tricentenaire de la naissance de Diderot.

Jean-Claude Grosse, Paris le 20 février 2012

« Comment aimer jusqu’à la folie un fantasme ? Stefan Zweig nous livre le portrait d’une femme plongée dans un amour obsessionnel pour un romancier de renom, qui fait de l’attente le sens ultime de sa vie. Ses paroles fébriles dévoilent les ravages de la passion qu’elle a porté pendant toute sa vie au destinataire de cette lettre … Une sublime descente aux enfers. »

JDD

Lettre d’une inconnue, l’accomplissement d’une comédienne

Lettre d’une inconnue. Crédits photo : Pacome POIRIER/Wikispectacle

Christophe Lidon, qui connaît bien l’interprète, la dirige dans cette adaptation pour deux voix de Stefan Zweig. Frédéric Andrau est son idéal partenaire. Un moment superbe.

Dans la vie d’une comédienne, il arrive que la rencontre avec un rôle vous transforme, vous conduise loin. Il advient qu’un personnage vous transfigure et vous accompagne jusqu’à l’accomplissement de vous-même. C’est ce qui arrive à Sarah Biasini avec la femme imaginée par Stefan Zweig dans Lettre d’une inconnue. Ravissante, enjouée et triste aussi dans Pieds nus dans le parc de Neil Simon (2005), fine mouche et aristocratique dans L’Antichambre de Jean-Claude Brisville (2008 et 2009), Sarah Biasini est une artiste dont on apprécie depuis longtemps la grâce et la sensibilité. Christophe Lidon, qui l’a déjà dirigée par deux fois au théâtre, rêvait depuis longtemps de porter à la scène la cruelle nouvelle de l’auteur de Vingt-quatre heures de la vie d’une femme. Michael Stampe signe une adaptation fidèle d’après la traduction des Éditions Stock. Il répartit la parole entre deux protagonistes et dans le rôle du séducteur qui ignore tout de l’exaltation de l’inconnue et de son funeste destin, Frédéric Andrau est parfait.  Présent, il est un partenaire idéal et donne corps et vraisemblance au personnage et à la passion folle de « l’inconnue ».  présence et discrétion, incarné et irréel comme le fantasme d’une toute jeune fille… Dans la petite salle des Mathurins, celle qui parle est comme prisonnière d’un ultime piège. L’espace est très bien utilisé, les lumières de Marie-Hélène Pinon flattent et poursuivent d’un même mouvement. Pieds nus, sensuelle dans la combinaison noire qu’elle cache sous un manteau, Sarah Biasini, belle voix, beau visage, impose l’attachante personnalité d’une femme littéralement folle d’amour. Sans excès, mais avec intelligence, profondeur, et une bouleversante sensibilité.

 

Le quotidien du médecin – 20 avril 2011

« La passion de Sarah Biasini : Christophe Lidon dirige la comédienne dans une partition vertigineuse. Dans l’ombre, Frédéric Andrau est parfait. »

LA CRITIQUE EVENE

 par Cécile David

 « À toi qui ne m’a jamais connue ». Sursauts dans la salle. La comédienne Sarah Biasini (fille de Romy Schneider) quitte son fauteuil et monte sur scène, dévastée, en pleurs. Le metteur en scène Christophe Lidon joue pendant une heure avec l’intimité offerte par le petit théâtre des Mathurins pour révéler toute la puissance de la nouvelle de Stefan Zweig, ‘Lettre d’une inconnue’ (1922). L’auteur austro-hongrois dont on ne cesse de redécouvrir l’œuvre : ces deux dernières années les éditions Grasset ont ainsi publié des textes inédits et une partie de sa correspondance. De beaux succès de librairie. Pour l’heure, le public sent le souffle tragique de cette anonyme éperdument amoureuse d’un homme, d’un écrivain croisé à plusieurs reprises mais jamais vraiment connu. Avant de se donner la mort, la jeune femme décide de lui écrire une lettre dans laquelle elle déclare son amour, enfin, après des années de silence. R… (Frédéric Andrau) lit le manuscrit qui lui est adressé. À la fois ému et en colère, il dialogue avec cette femme fantôme qui l’a passionnément aimé, épié jusqu’à en perdre la raison. Lui, reste sur scène, elle, n’hésite pas à crier sa détresse au milieu des spectateurs qui aperçoivent ses larmes dévaler son visage et découvrent ses yeux soudainement illuminer d’espoir. Seules quelques ampoules suspendues font figure de décor. Le texte se suffit à lui-même. Il ne manquait plus que deux comédiens talentueux pour transposer sur les planches la beauté et l’intensité de cette lettre rédigée par amour, aussi déraisonnable soit-il.

 

 

 

23/01/2012

Lettre d’une inconnue :

Le célèbre récit écrit par Stefan Zweig en 1922 a été plusieurs fois adapté au cinéma, notamment par Max Ophuls. Pour le théâtre, Christophe Lidon resserre la nouvelle autour de deux personnages. Un écrivain, R., reçoit un jour une longue lettre rédigée par une inconnue : depuis l’enfance, elle est amoureuse de lui et ne vit qu’à travers cette passion. C’est une lettre d’adieu, d’amour et de folie, le récit d’une terrible descente aux enfers. Sur une scène parsemée de petites lampes, l’atmosphère est funèbre. Sarah Biasini, qui interprète la femme, est grave, fragile, mais montre aussi une grande puissance. Elle joue sans pathos, avec une force tragique étonnante. Frédéric Andrau est R. : plus discret, il campe avec précision un homme léger et volage. 

Sylviane Bernard-Gresh

 

Webthéa

La folie de l’amour fou 

 par  Gilles Costaz 

Le récit de Stefan Zweig est célèbre. Un écrivain connu trouve dans son courrier une très longue lettre, celle d’une femme qu’il a oubliée et dont il découvre, au fil des pages, qu’elle n’a vécu que pour lui. Elle a eu un enfant de lui, dont elle ne lui a pas révélé l’existence, qu’elle a élevé et qui est mort prématurément. Elle a vécu dans l’adoration d’un séducteur pour qui elle n’a été que la conquête d’un soir (de deux soirs puisque, des années plus tard, elle s’est redonnée à lui, sans qu’il la reconnaisse). Son cœur a palpité en vain, sans réponse, sans reconnaissance, mais ce fol amour à sens unique a été le moteur, le motif de toute une vie. Elle a éprouvé le besoin de le confier au papier et au seul lecteur qui compte, avant de disparaître, de s’effacer.

Ce texte, magnifique, bouleversant, a souvent été monté au théâtre. Christophe Lidon rompt, lui, avec les adaptations précédentes. Il a demandé à Michael Stampe un dialogue à deux personnages : l’écrivain est présent, l’amoureuse et le séducteur se parlent dans un espace-temps imaginaire. Par ailleurs, Lidon ne traite pas sans distance la passion de l’héroïne ; il évoque, dans le programme, « une manipulation féminine que le romanesque de l’histoire a souvent dissimulé ». Ainsi, en même temps qu’un amour fou, c’est la folie d’un amour vengeur qui s’exprime, avec la volonté d’entraîner l’autre dans sa chute. On bascule du romantisme à un regard clinique.

Le lieu imaginaire où se déroule ce face à face improbable, Lidon et l’éclairagiste Marie-Hélène Pinon l’ont conçu comme une scène baignée dans une nuit percée de lumières, dans un ciel étoilé aux astres aussi brillants que fuyants. Mais les personnages vont parfois hors du plateau, au côté jardin et dans toute la salle. Ce climat nocturne est d’abord déroutant, mais il se révèle comme une scène de jeu de tous les possibles. Car, dans cette obscurité piquetée de quinquets, les deux interprètes varient sans cesse leurs attitudes et leurs relations, tantôt dans un rapport très corporel, tantôt dans l’écart de personnes proches et séparées. Certaines postures ne sont pas toutes de la même grâce mais cette variété du vocabulaire gestuel enrichit beaucoup la soirée. Sarah Biasini donne une flamme rare au personnage de l’inconnue. Sa voix est un chant permanent. Elle est à chaque instant d’une vivacité lourde d’émotions. Frédéric Andrau joue la difficile partition du détachement. Son personnage ne répond pas à la passion par la passion, il découvre, il analyse, il s’étonne, il songe, il s’interroge. Andrau compose très bien ce personnage d’idole qui s’étonne d’être une idole, sans le lyrisme que l’on a vu mettre en œuvre dans d’autres spectacles. Pour Sarah Biasini, la voilà dans l’un de ses plus grands rôles après L’Antichambre de Jean-Claude Brisville, décrivant la courbe folle de l’amour fou.

 

Jean-Philippe Viaud, Sarah Biasini et Frédéric Andrau

 

 

http://telematin.france2.fr/?page=chronique&id_article=27911

 

mise en scène Jeanne Mathis

Création les 23-24-25 avril 2011 au Théâtre Le Comédia – Toulon
Novembre 2011 à l’Espace Gérard Philipe – Fontenay-sous-Bois (94)
3 février 2012 au Théâtre Denis – Hyères (83)

Festival d’Avignon off  2012

au Théâtre de La Luna à 13h05

Le 23 novembre au Théâtre du Pradet (83) à 20h30

Lydie Salvayre donne existence à Maître Échinard, dans La compagnie des spectres, qui parait en  même temps que ces Quelques conseils… Figure d’un pouvoir qui abuse de ses prérogatives, sans cesse débordé par ses affects, comique malgré lui, odieux et ordinaire, cet huissier de justice donne à ses élèves une leçon qui dépeint – sur un mode  humoristique- cet abus de pouvoir, son aveuglement  et la bonne conscience qui le légitime. Lors de cette conférence sur les procédures de saisie et d’expulsion, il va mettre en garde ses élèves devant les ruses déplorables employées par le pauvre, coupable de sa condition. Quelques conseils Utiles aux élèves huissiers est une satire grinçante d’actualité.

Réalisation : Diastème

Hide-Park productions

une photo de Mathieu Morelle avec Diastéme, Monteur et script Olivier Jahan, costumier Fred Da Funk Cambier, chef-opérateur Florent Ferrey, 1er assistant Nicolas Quérré, Margot Abascal et Frédéric Andrau

Une photo Mathieu Morelle avec Margot Abascal, Cali et Frédéric Andrau

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une photo de Mathieu Morelle avec Cali, Frédéric Andrau et Margot Abascal

Avec :
Frédéric Andrau, Françoise Lebrun, Brice Fournier, Anna Mihalcea, Christelle Reboul, Michel Bellier, 
Frederic Resrtagno, Jean Pierre Gourdain, Christine Conil, Maurice Portalier,  
Ahmed Mefret, Elodie Varlet, David Baiot

Le bureau d’une grande entreprise industrielle. Un homme joue de sa supériorité face à un autre. Il le rabaisse, l’insulte et l’humilie. Comment ont-ils pu en arriver là ?

English version :

Assistant : Damien Bricoteaux

Emma de Caunes, Frédéric Andrau, Jeanne Rosa et Bertand Combe

une photo de Pascal Chantier avec Bertrand Combe et Frédéric Andrau

une photo de Pascal Chantier avec Jeanne Rosa et Frédéric Andrau

une photo de Pascal Chantier avec Emma de Caunes et Frédéric Andrau

PRESSE

Froggy’s delight

Comédie dramatique écrite et mise en scène par Diastème, avec Emma de Caunes, Frédéric Andrau, Jeanne Rosa et Bertrand Combe.

Responsable des lumières d’un spectacle en tournée sur la dernière nuit de Marilyn Monroe, un éclairagiste taciturne et désenchanté va peu à peu s’éprendre de la comédienne.

C’est à un joli conte de fée et fable à la fois sur le métier du spectacle que nous convie le si talentueux Diastème à l’écriture teintée d’émotion.

Oscillant entre légèreté et gravité, « L’amour de l’art » est une pièce diaphane et nostalgique, une bulle de rêve parlant de l’amour autant qu’une mise en abîme sur le théâtre. Utilisant ses fidèles comédiens, la pièce en est d’autant plus émouvante.

Cette histoire romantique nous emporte tout doucement grâce au charme de l’écriture, à une mise en scène très « cinéma » et au talent de ses interprètes. Emma de Caunes révèle toute sa fragilité et campe un Marilyn très crédible. Frédéric Andrau, l’inoubliable comédien de « 107 ans » du même Diastème est bouleversant dans un jeu très intérieur. Jeanne Rosa, magnifique interprète de « La Tour de Pise » est à la fois drôle et touchante. C’est vraiment une grande comédienne. Enfin, Bertrand Combe casse la baraque en incarnant les régisseurs de tous les théâtres. Sa présence chaleureuse illumine ce rêve éveillé.

Un moment magique à savourer.       

Nicolas Arnstam

Télérama

L’Amour de l’art

Pièce de Diastème. Enregistrée au Théâtre du Chêne noir, en 2009, à Avignon, lors du festival off. Mise en scène : Diastème. 100 mn. Inédit. Avec Emma de Caunes, Frédéric Andrau, Jeanne Rosa et Bertrand Combe.

Rien de plus théâtral… que les histoires de théâtre ! Shakespeare, déjà, avait senti le bon filon, qui sut comiquement – ou tragiquement – mettre en scène des comédiens en train de répéter (Le Songe d’une nuit d’été, Hamlet), suivi par Corneille (L’Illusion comique), Marivaux, Pirandello… Le jeune et prolixe Diastème s’y met à son tour, imaginant la vie de tournée d’une comédienne vedette extravertie et en train de jouer – en solo – le dernier jour de Marilyn Monroe (Emma de Caunes). Existence gaiement pittoresque entre une costumière-maquilleuse-meilleure amie (Jeanne Rosa), un sombre éclaira­giste lourd de silences et forcément très sexy (Frédéric Andrau) et des régisseurs-plateau complètement dingos. Tomberont amoureux l’un de l’autre qui on imagine, tandis que l’ambiance des coulisses se révélera tout ensemble tendre, dérisoire et émouvante…

Sans faire dans la grande originalité d’écriture, L’Amour de l’art (que nous n’avons pas pu voir) vaudra sûrement par ses interprètes – ici, on le sait, talentueux – et l’efficacité tonique que Diastème apporte d’ordinaire à ses spectacles, qu’il s’attaque à Camus (Les Justes, en 2008) ou à ses propres comédies drôles-désenchantées. Filmé depuis Avignon, dans un des rares théâtres de la ville à fonctionner toute l’année indépendamment du festival – le Chêne noir -, voilà sûrement un spectacle pour une très agréable soirée estivale.

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Fabienne Pascaud

Télérama n° 3106

http://www.geneveactive.com 

Théâtre dans le théâtre

Publié par Bertrand Tappolet Jeudi 23 juillet 2009

Avignon. Un marivaudage contemporain nous immerge dans le hors champ du théâtre, sur les traces d’une pièce jouée en tournée, la dernière journée dans la vie de Marilyn Monroe avec une Emma de Caunes en état de grâce. « L’Amour de l’art » de Diastème est à l’affiche du Théâtre du Chêne Noir en Avignon jusqu’au 29 juillet.

Dans les coulisses
Le rideau rouge ne s’ouvre désespérément pas. Apostrophé par un technicien au bord de la crise de nerfs, surgi de la salle un régisseur plateau qui exécute le levé de carmin en maugréant. Nous sommes bien sur un plateau de théâtre, qui voit un éclairagiste misanthrope batailler avec un régisseur brécaillon. Sans omettre de faire le point des faisceaux lumineux à l’aide d’un assistant demeurant hors de vue, en régie, et ne répondant qu’au langage des signes. En quelques traits, s’installe avec un climat de douce ironie la mise en abyme d’un théâtre dans le théâtre, dont l’histoire des arts vivants de la scène fait son miel de « L’Illusion comique » de Corneille à ce réussi « Amour de l’art » signé du dramaturge et metteur en scène Diastème. Outre le fait que Diastème poursuit l’exploration des correspondances souterraines tissées entre la vie sur les planches et l’intime décliné au quotidien déjà abordées dans son film « Le Bruit des gens autour » (2008), plane sur « L’Amour de l’art » un envoutant parfum d’ « Opening Night », précieux opus de Cassavetes sur l’impitoyable métier d’acteur et sur les coulisses du théâtre. « La structure de la pièce est éminemment classique, souligne Diastème. Des amoureux issus de classes sociales différentes avec des intérêts contrastés. Au nombre de ce quatuor de personnages, on compte aussi une sorte de valet de comédie et une confidente. »

Petit à petit, un amour impossible va sourdre entre la comédienne sortie d’une rupture douloureuse, Manon (Emma de Caunes), et un homme de l’ombre, taiseux et sentimentalement emprunté, qui ne la lâche pas de ses lumières pointées, Manu (Frédéric Andrau, au jeu très en creux et à la présence subtilement en déshérence). Elle joue dans une pièce imaginaire les derniers instants d’aveux-confessions de Marilyn Monroe face micro, dont la première a lieu en Suisse face à une critique journalistique ironiquement posée. Le tout sous le regard tour à tour intrigué, fataliste et désespérément narquois de deux protagonistes de convention magnifiquement interprétés : une succession de six régisseurs plateau (interprétés par un Bertrand Combe qui prouve la très large palette de sa mise en jeu), tous plus vrais que nature, croisés au fil des dates de la tournée en Province. Et une habilleuse, maquilleuse, coiffeuse et confidente désabusée et dépressive, Sissi (l’extraordinaire Jeanne Rosa). De Marivaux, l’auteur a sans doute rapatrié ce sens de la tournure des dialogues, de la physionomie, du geste formant comme une langue à part qui révèle à l’interlocuteur ce qui reste d’habitude caché au fond de l’âme. La vibration de sentiments avec une part laissée aux non-dits, aux silences, à une science du détail, évoque l’univers chaleureux et désespéré du nouvelliste américain Richard Brautigan, dont on aperçoit le roman « L’Avortement » entre les mains de Manu, le régisseur lumières. La partition sait merveilleusement distiller l’entêtante musique d’une liaison intermittente, épisodique se muant en passion doucement déceptive entre deux êtres qui ne parviennent qu’épisodiquement à se détacher d’eux-mêmes et de leur atavisme pour rencontrer l’autre.

Mise en abyme

De la dernière bande de Marilyn s’adressant à un thérapeute par l’intermédiaire d’un magnétophone, se révèle le portrait tourmenté et contrasté d’une femme qui se rêvait actrice dramatique si ce n’est tragédienne. Elle le fut, sans doute, au détour de son plus beau film, « Les Désaxés » offrant un dénouement hustonien, un échec collectif des acteurs-personnages.

Dans son jeu qui marie merveilleusement l’hébétude à l’exacerbation de la plus haute des solitudes, Emma de Caunes est d’une rare justesse. Dans ce chassé-croisé entre l’art et la vie, celle qui est l’une des comédiennes les plus douées de sa génération (32 printemps, un César en poche), apparaît pleinement consciente, à chaque instant, d’une double distanciation. Sur fond du « When I fall in love » de Nat King Cole suggérant que « l’amour s’achève avant que de n’avoir commencé », elle incarne une actrice campant une Marilyn à bout de souffle, au détour d’enregistrements retrouvés par un agent du FBI, publiés par le Los Angeles Times, et dont l’authenticité est sujette à caution.

Toute la détresse d’une star à l’intimité surexposée, aux amours et horizons artistiques déçus, se lit dans ce moment où Emma de Caunes s’effondre sur elle-même telle une flamme mourante. Elle irradie de lucidité dans cette manière poignante de pointer l’inconsistance du vécu en citant ces vers célèbres de Macbeth : « Eteins-toi, éteins-toi, court flambeau ! La vie n’est qu’un fantôme errant, un pauvre acteur qui se pavane et s’agite durant l’heure qu’il est en scène, et puis qu’on entend plus. C’est une histoire, dite par un idiot, pleine de bruit et de fureur, et qui ne signifie rien. » Dont acte.

Bertrand Tappolet

Les Trois Coups

L’Amour de l’art, de Diastème (critique de Jean-François Picaut), Off du Festival d’Avignon 2009, Théâtre du Chêne-Noir à Avignon

Chronique d’un succès annoncé

Il y avait foule au Chêne noir pour applaudir la nouvelle œuvre de Diastème, interprétée par Emma de Caunes, et le public n’a pas été déçu. Le nouvel opus de Diastème a été écrit pour plaire et il plaît : mission accomplie.

Le jeu des comediens est irréprochable et de haute volée. J’avoue ma faiblesse pour Bertrand Combes qui incarne les différents régisseurs: il arrive presque à nous faire croire à son personnage d’adolescent boutonneux. (…)Emma de Caunnes et Frédéric Andrau sont beaux, justes et touchants. L’Amour de l’art ne révolutionne pas le théâtre contemporain. Aussi bien, me semble-t-il, n’a-t-il pas été écrit pour ça. La nouvelle pièce de Diastème comporte une intrigue bien ficelée, servie par une mise en scène efficace, au rythme rapide qui évoque le cinéma. Nous assistons à une série de très courtes scènes dans un décor unique, dont les éléments sont tour à tour révélés ou masqués par d’habiles jeux de lumière.

Jean-François Picaut

La Marseillaise

Les coulisses des sentiments

C’est le Festival d’Avignon et le Théâtre du Chêne Noir qu’a choisi Diastème pour la création de sa nouvelle pièce. Elle raconte deux histoires d’amour – ou de vies – râtées. Celle de Marilyn Monroe, l’une des dernières authentiques stars et aussi de Manon, la jeune comédienne qui l’incarne au théâtre durant une tournée et tombe amoureuse de Manu, le régisseur lumière qui l’éclaire. Or ce dernier, personnage plutôt blasé, probablement blessé lors d’amours antérieures, après avoir entrepris d’abord de répondre favorablement aux sentiments de la jeune femme, finit par jouer au cœur en hiver. Les amours nées pendant la tournée théâtrale s’achèvent avec celle-ci. Aussi éphémères qu’une représentation, qu’un spectacle de théâtre. (…)

On sait depuis longtemps que Diastème aime les comédiens. Ceux-ci le lui rendent bien et lui sont fidèles. (…) Emma de Caunes (Manon) est touchante dans ce personnage fragile de comédienne victime d’un fâcheux mimétisme avec la star qu’elle incarne, Jeanne Rosa (Sissi) est comme toujours excellente. C’est une des rares comédiennes qui peut faire preuve de drôlerie même dans des situations douloureuses. Frédéric Andrau interprète Manu avec retenue et sobriété. 

Henri Lépine

Le Figaro

(…)La fille d’Antoine de Caunes et de Gaëlle Royer est bien entourée : Frédéric Andrau, son partenaire dans La Nuit du thermomètre, est touchant en amoureux intransigeant, Jeanne Rosa séduit en « habilleuse, maquilleuse, coiffeuse et meilleure amie » de Manon et Bertrand Combe n’est pas en reste. (…)

Nathalie Simon

Le Hérisson. D’après le roman de Muriel Barbery, L’Élégance du hérisson. L’histoire d’une rencontre inattendue : celle de Paloma Josse, petite fille de 11 ans, redoutablement intelligente et suicidaire, de Renée Michel, concierge parisienne discrète et solitaire, et de l’énigmatique Monsieur Kakuro Ozu.

Photos : Frédéric Sautereau

]]> http://www.fredericandrau.com/2009/le-herisson/feed/ 0 http://www.fredericandrau.com/2009/la-petite-robe-de-paul/ http://www.fredericandrau.com/2009/la-petite-robe-de-paul/#comments Tue, 02 Jun 2009 00:02:50 +0000 fred http://www.fredericandrau.com/?p=52 de Philippe Grimbert, mise en scène de Frédéric Andrau

le 15 janvier 2009 – Théâtre des 2 Rives – Charenton-Le-Pont (94)
du 20 au 29 mars 2009 – Maison des métallos
le 12 novembre 2009 – Théâtre de Saint-Maur (94)

Avec Fabrice Moussy, Valérie Gabriel, Andréa Brusque, Anna Strelva, Léa Wiazemsky

Adaptation: Philippe Grimbert et Frédéric Andrau

Scénographie : Goury
Lumières : Ivan Mathis
Costumes : Fred Cambier
Assistante : Sylvie Amato

une photo de Pascal Chantier avec Valérie Gabriel et Andréa Brusque

coproduction
Maison des métallos – Région Île-de-France, Mairie de Paris
Les Théâtres – Charenton Le Pont – Saint Maurice
ATC, Théâtre de Saint-Maur
aide à la création du Conseil Général du Val-de-Marne
avec le soutien de la ville de Fontenay-sous-Bois
parrainage Château de Christin (www.chateaudechristin.fr)

Paul n’a jamais rien caché à sa femme. Un jour, il est irrésistiblement attiré par une petite robe blanche exposée dans la vitrine d’un magasin. L’irruption de ce vêtement d’enfant dans l’univers feutré d’un couple sans histoire va soudain produire des effets dévastateurs et réveiller de vieux démons.

La présence dans la maison de la petite robe est un point fi xe et mystérieux autour duquel le récit se noue, engendrant des soupçons sur une seconde vie de Paul : cauchemars, fantasme, jalousie, colère, crise, sang et larmes. Le vêtement immaculé obsède, soulève les non-dits, éclaire les actes manqués, réveille les rancœurs, les chagrins enfouis, et dénature les rapports du couple.

une photo de Pascal Chantier avec Valérie Gabriel et Fabrice Moussy

«…ces images sont seulement des clichés de la mémoire qui se superposent en transparence : lieux,

personnages et objets se confondent ainsi au fi l du spectacle. Tous ces clichés sont issus du passé, mais nous

concernent, nous et notre époque ; le processus selon lequel ils apparaissent ne doit rien à la logique de la vie

quotidienne…»

interview de Tadeusz Kantor sur l’incessant glissement des images dans  Qu’ils crèvent les artistes,

un entretien avec Philippe du Vignal.

une photo de Pascal Chantier avec Andréa Brusque

« Leur histoire d’amour est profonde et irrésistible »

par Thierry de Fages

Dans « La Petite Robe de Paul », pièce de théâtre mise en scène par Frédéric Andreu et tirée du roman éponyme de Philippe Grimbert, les personnages font un voyage intérieur à la manière d’une analyse psychanalytique. Dans la petite robe qu’achète Paul un jour par impulsion se cache un secret que l’entente fondamentale du couple seule, saura révéler. Frédéric Andrau et Philippe Grimbert donnent ici aux lecteurs du journal Le MAGue quelques clés de leur réflexion sur les secrets de famille :

Thierry de Fages : Qu’est-ce qui vous a séduit dans le roman « La Petite Robe de Paul » de Philippe Grimbert ?

Frédéric Andrau : Le sens que Philippe donne au mot silence m’a bouleversé.

Thierry de Fages : Comment s’est déroulé le travail préparatoire de la pièce ?

Philippe Grimbert : Frédéric et moi nous nous sommes souvent rencontrés, il m’a expliqué sa conception du spectacle et il m’a tout à fait convaincu du bien-fondé de sa vision !

Frédéric Andrau : La première version de l’adaptation théâtrale de « La Petite Robe de Paul » m’a procuré l’envie de donner à Paul et Irène la possibilité de se confier à nous (public) tout en étant dans leur histoire… Nous avons découvert ce spectacle le jour où simultanément la mise en scène, la dernière version de l’adaptation (la pièce de théâtre qui est donnée à voir), la scénographie, les personnages, les lumières se sont rencontrés.

Thierry de Fages : Quelle spécificité possède « La Petite Robe de Paul » par rapport à « Un secret » ?

Philippe Grimbert : On pourrait presque dire que « La Petite Robe » est une autre version d’« Un secret », plus fictionnelle, où les thèmes qui me sont chers et si proches sont abordés avec une distance différente.

Frédéric Andrau : Le thème du secret est traité ici au travers d’une famille. On voit de quelle façon il se transmet de génération en génération tout en façonnant les individus. Certains ont appris à accepter le mensonge, d’autres, le silence jusqu’à en faire un art de vivre…

Thierry de Fages : Les comédiens de « La Petite Robe de Paul », notamment Valérie Gabriel (Irène) et Fabrice Moussy (Paul), paraissent visiblement habités par leur rôle. La dimension psychanalytique de la pièce a t-elle selon vous influé sur leur jeu ?

Philippe Grimbert : J’ai été saisi par leur engagement et bouleversé par leur jeu, je crois en effet que le voyage intérieur que font les deux personnages peut s’apparenter au trajet d’une analyse, qui va jusqu’au plus profond de l’intime de chacun d’eux, Valérie et Fabrice ont vraiment « joué le jeu » de cette exploration, au point, m’ont-ils avoué, d’en être profondément remués…

Frédéric Andrau : Est-ce qu’ils sont habités par leur rôle ou est-ce qu’ils habitent leur rôle ? À vouloir arracher les différentes couches de peau qui voilent leur passé, et distordent les souvenirs, les personnages mettent en danger leur histoire d’amour, se confrontent parfois à leurs propres racines ou à leur solitude. Ils ont mis toute leur tendresse à assumer ce voyage… ils se sont donnés sans pudeur et sans confort… les personnages ou les comédiens ?

Thierry de Fages : La discorde du couple semble l’élément le plus visible…

Philippe Grimbert : Je dirai davantage le fait de vivre dans deux univers fantasmatiques différents tout en se pensant proches, ce qui est, je le crains, notre lot à tous.

Frédéric Andrau : Leur histoire d’amour est profonde et irrésistible. Mais il y a un malentendu dans cette histoire… On peut se demander d’ailleurs s’il n’est pas désiré par le couple.

Thierry de Fages : Comme dans un thriller psychologique, l’on est confronté dans « La Petite Robe de Paul » à de nombreuses interprétations sur les personnalités de Paul et d’Irène…

Philippe Grimbert : J’ai volontairement laissé une grande place à l’imaginaire du spectateur qui est libre parfois d’interpréter les évènements à sa façon, sans que l’auteur le prenne par la main pour lui imposer sa vision.

Frédéric Andrau : Ils ont chacun deux visages et deux réalités qui s’entremêlent.

Thierry de Fages : Suicide, fausse couche, déportation… La naissance et la mort apparaissent comme des thèmes obsessionnels de la pièce…

Philippe Grimbert : … Et de la vie elle-même ! Nous sommes tous traversés par ces angoisses fondamentales, à partir desquelles nous bricolons des solutions pour tenir bon…

Thierry de Fages : Il y a une scène très curieuse, qui peut évoquer une mort bis, dans laquelle le personnage d’Olga demande à son fils, le jour de l’enterrement de son père, d’ensevelir une boîte…

Philippe Grimbert : J’aime cette idée d’une boîte à secrets, symbolique de ce que nous enfouissons au plus profond de nous-mêmes pour ne plus avoir à nous y confronter… mais qui finit toujours par être déterrée…

Frédéric Andrau : Oui la scène est insolite : même un jour d’enterrement le secret mène la danse…

Thierry de Fages : Non-dits, secrets, photos enterrées… La dimension cachée semble plutôt paroxystique dans cette Robe de Paul, minant l’existence même de Paul et Irène. Diriez-vous que c’est une pièce sur la frustration ?

Philippe Grimbert : Sur la frustration de ne pouvoir tout partager, sur les méfaits du silence et des non-dits, certainement. C’est une dimension qui nous concerne tous, car nous nous construisons autant sur ce qui est dit que sur ce qui est tu…

Frédéric Andrau : Plutôt une pièce sur le Secret et le dévoilement. Nous passons de la frustration à l’exaltation… Du silence à la liberté…

Thierry de Fages : Le personnage humoristique d’Edith, proche d’Irène et psychanalyste de formation, se profile un peu en retrait…

Philippe Grimbert : J’aime bien sortir le personnage du psy de son sérieux habituel, avoir un regard ironique sur ma propre profession, faire sourire sur les traits si souvent caricaturaux du praticien toujours prêt à interpréter, lui-même empêtré dans sa problématique…

Frédéric Andrau : Edith assiste à la reconstitution d’Irène, la suit dans la tourmente. Mais elle reste, malgré ses interventions et ses analyses, contemplative et perdue. Elle a ce côté clownesque de ne jamais se retrouver dans l’univers des autres, de ne pas avoir sa place ailleurs que sur le divan d’Irène. Une sorte d’Auguste maladroit et irrésistible…

Thierry de Fages : De tous les personnages de cette famille, Olga semble le seul à affronter sereinement le poids tragique de son histoire…

Philippe Grimbert : Le personnage de la mère m’intéresse dans la mesure où sa façade de bonne mère cache des abîmes d’indifférence ou de cruauté !

Frédéric Andrau : Olga, la mère de Paul, a un regard sur les autres rempli d’amusement et de sagesse. « Elle a le bleu regard qui ment ». Elle dit ce qui agace, et provoque la colère. Elle est sûre de son impact et de son autorité. Ce personnage porte une scène, des plus drôles et des plus cruelles que je connaisse…

Thierry de Fages : Le personnage d’Agnès nous apparaît comme une figure de l’espoir mais aussi comme le dernier chaînon de cette fatalité familiale…

Philippe Grimbert : Agnès est l’héritière de cette histoire tragique et comme telle elle risque d’en subir les conséquences, voire de la répéter à son insu… c’est donc un personnage qui porte une lourde charge sur ses épaules et je voulais qu’elle en sorte le mieux possible, comme force de vie.

Frédéric Andrau : Ce personnage pose la question de la transmission. Il est fait d’innocence et de maturité. Sur quoi Agnès se construit-elle ? Au fond, c’est peut-être son histoire à elle qui est racontée dans « La Petite Robe de Paul »…

Thierry de Fages : Dans « Acte » Lars Norén décrivait une femme paroxystiquement enfermée dans un univers mental… Les personnages de « La Petite Robe de Paul » semblent, malgré leur souffrance, plus récupérables (!)

Philippe Grimbert : J’ai laissé là aussi une équivoque, que la mise en scène de Frédéric met en valeur : comment cette histoire se termine-t-elle vraiment ? Est-ce que la parole enfin libérée va les délivrer ou les condamner ? Au spectateur de répondre…

Frédéric Andrau : Peut-être parce qu’ils ne sont pas enfermés dans un univers mental. Il y a quelque chose d’animal, de fiévreux et d’érotique dans « La Petite Robe de Paul ».

Thierry de Fages : Dans une scène de repas de famille, Paul s’avance seul sur la scène, s’adressant au public. C’est un moment étrange, à la fois par l’occupation de l’espace et le message délivré…

Philippe Grimbert : Paul exhume le secret de sa mère, devenu le sien, dans cette scène où Fabrice, bouleversant, prend conscience du drame qui a précédé sa venue au monde… il est dans une solitude terrible ; il tient entre ses mains la vérité de son histoire, pourra-t-il la partager avec ceux qu’il aime le plus ?…

Frédéric Andrau : Paul se confie à nous, un peu comme s’il nous parlait de l’intérieur de son rêve… Je préfère ne rien dire de plus pour ne pas trop en dévoiler…

Thierry de Fages : Pour conclure, s’il fallait résumer en trois mots « La Petite Robe de Paul »…

Philippe Grimbert : Ce qui est tu peut tuer… Il m’a fallu 6 mots !

Frédéric Andrau : ma petite sœur… ou Expérience de soi !

une photo de Norbert Gabriel avec Léa Wiazemsky,

Une robe de silence

 

une photo de Pascal Chantier avec Valérie Gabriel et Fabrice Moussy

 

C’était un couple de taiseux. Irène (Valérie Gabriel) ne parlait jamais du suicide de ses parents. Paul (Fabrice Moussy) pour obéir à sa mère, Olga (Anna Strelva), avait enterré la boîte à souvenirs de son père sous les rosiers. Mais un jour, les secrets sont trop lourds. A force de tarauder les mémoires, elles brisent les âmes. Irène n’a plus goût à la vie, et malgré les conseils de son amie psychanalyste, Édith (Léa Wiazemsky), plus rien ne l’intéresse, même pas sa fille, Agnès (Andréa Brusque), adolescente joyeuse et aimante.

C’était un couple sans histoires, qui s’aimait… Puis un jour, Paul achète une petite robe blanche, pour une petite fille de six ans. Impulsivement, sans motif apparent. En dissimulant l’achat à Irène et se murant, comme elle, dans un « infranchissable et obstiné silence ».

Dans L’Intervention de Victor Hugo, une petite robe blanche d’enfant sauvait Marcinelle et Edmond, le couple qui se déchirait. Ici, faute d’explications, la machine à tragédie se déclenche et tout finit très mal… La robe de silence est mortifère.

Frédéric Andrau met en scène l’intime avec logique. Il a construit l’espace scénique du couple en plan incliné dont la surface grise est élastique (scénographie : Goury). Le fond de scène est noir et fonctionne comme un promenoir, un « ailleurs » qui contrôle l’espace central. Les lumières d’Ivan Mathis cernent les personnages. Les comédiens évoluent avec souplesse entre passé et présent, fantasme et réalité. Ils ne trichent pas, le décor se plie à leurs confidences, ou à leurs cachotteries.

C’est un très beau travail.

 

une photo de Pascal Chantier avec Anna Strelva, Valérie Gabriel et Fabrice Moussy

Paul n’a jamais rien caché à sa femme. Un jour, il est irrésistiblement attiré par une petite robe blanche exposée dans la vitrine d’un magasin. L’irruption de ce vêtement d’enfant dans l’univers feutré d’un couple sans histoire va soudain produire des effets dévastateurs et réveiller de vieux démons. De quels secrets la petite robe blanche est-elle venue raviver la blessure ? La psychologie, la littérature et maintenant le théâtre, on peut se laisser dire que Phillipe Grimbert a plusieurs cordes à son arc. J’espère au moins qu’en psychologie, il a des failles -mais j’en doute- sinon, il ne nous reste pas grand choses à nous autres. En tout cas, dans les domaines dans lesquels je le  »connais », il se déplace avec une certaine aisance. Moi qui n’arrive pas à faire deux choses à la fois. On me dit d’ailleurs sans arrêt :   »Réfléchis un peu quand tu parles ». Enfin,…. La petite robe de Paul, est un livre sous lequel je suis tombé sous le charme il y a quelques années. Un livre ancré dans la réalité, avec ses douleurs quotidiennes et sa réflexion sur soi, mais avec une magnifique et légère poésie. Ma crainte était donc de ne pas retrouver cette poésie. Mais une curiosité sur la façon de mettre en scène les nombreuses réflexions des personnages m’a quand même décidé à me rendre à cette adaptation avec un certain entrain. Doutes très vite effacés par le fait que Phillipe Grimbert soit l’adaptateur de son propre roman mais également par la mise en scène de Frédéric Andrau qui s’est avérée très juste.   une photo de Pascal Chantier avec Fabrice Moussy     En effet, par le biais de la mise en scène, l’espace et le temps n’ont plus vraiment cours. Laissant aux protagonistes de la pièce une pleine liberté lors de leurs réflexions passées et présentes. Celles là mêmes qui nous emmènent au sein de leurs peurs, leurs doutes et vers des souvenirs de douleurs conscients et inconscients. Ils nous livrent ainsi leurs plus profonds secrets, qu’ils ne peuvent s’avouer l’un à l’autre. Et nous confrontent alors à leur silence partagé, cause de leur malheur et de leur destinée. Mortel destin partagé de génération en génération. Mais l’histoire de ses personnages n’est pas bien différente de la notre. Elle nous met face à nos propres sentiments et nos propres peines que nous nous efforçons de dissimuler chaque jours à ceux qui de nous sont les plus proches. Peut-être de peur de décevoir, de ne pas être compris, ou même de devenir transparent. Tous ces doutes qui nous poussent à nous blottir derrière ce fameux quotidien. Quotidien qui, comme pour notre héroïne, n’est devenu supportable que sous ordonnance. Cette pièce nous prouve bien que nos douleurs passées, et soi disant oubliées, construisent notre présent. Et, finalement, les utiliser et les partager est peut être mieux que de les enfouir car elles finissent toujours par nous rattraper. Les comédiens sont comme cette pièce : réalistes et sensibles. L’émotion est réelle et ce grâce à leur jeu et leur belle performance physique. Tout au long de la pièce, leurs corps éloignés mais en permanence si proches sont à l’image de leur esprits. Et prennent, une fois réunis, une vraie uniformité et une telle beauté que dans la salle tout ne devient que silence. On ne veut séparer ses corps qui, on le sait, vont bientôt rejoindre leurs pensées déjà lointaines. Beaucoup d’émotions et de réflexions, du bon théâtre.     Les personnages réussiront-ils à briser ce schéma destructeur qui perdure ou le reproduiront-ils ? Et nous, réussirons nous à nous libérer de nos propres silences ? En ce qui vous concerne, à vous de voir. En tous cas, pour nos personnages, la réponse est à la Maison des Métallos dans le XI ème. Allez- y, conseil d’ami.  Gregory pour Paristribu Mars 2009

Fip

Une rencontre à paris, belle et double; celle d’une œuvre et d’un lecteur éclairé. Puis celle d’un auteur, et d’un metteur en scène de talent. Fréderic Andrau met en scène l’adaptation de  » La Petite Robe de Paul  » de Philippe Grimbert, nous plongeant dans le marais des maux, des illusions et des secrets de famille. On y navigue au plus profond de l’intime et aux confins de l’inconscient, oscillant toujours entre fantasme et réalité; un spectacle troublant, remarquable et élégant, qui chatouille notre imagination et gratouille notre mémoire avec exigence, et on en redemande.    » La petite robe de Paul  » avec Fabrice Moussy, Valérie Gabriel, Andréa Brusque, Anna Strelva et Léa Wiazemsky, mise en scène Frederic Andrau, encore à l’affiche, ce soir à 20h30 et demain à 16h30 à la Maison des Métallos dans le 11ème à Paris.

par Stéphanie Daniel

une photo de Pascal Chantier avec Fabrice Moussy,Anna Strelva, Andréa Brusque, Léa Wiazemsky, Valérie Gabriel

KOURAN d’ART

Posté par angelique lagarde le 24 mars 2009

La petite robe de Paul D’après le roman de Philippe Grimbert
Adaptation de l’auteur et de Frédéric Andrau     Mise en scène de Frédéric Andrau
Avec Fabrice Moussy, Valérie Gabriel, Andréa Brusque, Anna Strelva, Léa Wiazemsky

Secret de famille et secrets intimes

Paul ne saurait dire pourquoi, il fut attiré comme par un aimant par la fameuse petite robe qui allait devenir l’objet prétexte à tous les non-dits, les secrets enfouis, les amertumes avalées de travers. Philippe Grimbert est psychanalyste, son roman La petite robe de Paul  retrace le cheminement intérieur de Paul et Irène entre confidences non avouées, travail sur la mémoire et pensées des personnages.

Elle était là, toute droite dans la vitrine et Paul ressentit le besoin irrépressible de la posséder. Ce ne fut que lorsque la vendeuse l’allongea dans sa boîte en carton qu’il se demanda ce qu’il allait faire de cette robe de petite fille. Agnès, sa fille, est grande. Il est rentré chez lui et n’a rien dit à Irène, sa femme. Que dire d’ailleurs. Irène a trouvé la robe et n’a rien dit à son mari. Pourquoi une robe de petite fille cachée. Paul aurait-il une autre vie ?

Il n’est pas toujours aisé de faire passer le roman à la scène. Certain roman reste réfractaire au changement. Le passage de la page à la scène peut être préjudiciable. Ici il y a deux rencontres :  celle d’une œuvre et d’un lecteur éclairé, Fréderic Andrau, puis celle d’un auteur, Philippe Grimbert et d’un metteur en scène. Ensemble ils ont fait une adaptation qui permet le passage entre la lecture et la représentation.

Lorsque le spectateur entre dans la salle, il voit sur scène un couple allongé comme en apesanteur. Ils reposent sur une matière qui a l’aspect du brouillard ou de ces limbes qui meublent nos songes. Les personnages en marchant font apparaître des formes, des meubles, l’escalier prend ses contours que parce qu’on l’emprunte. Il en va de même dans certain film d’animation fait avec des murs d’épingle qui ne prennent forme qu’au contact d’une manipulation. Le procédé scénique choisit par le talentueux Fréderic Andrau permet cette distance entre les actes et les pensées des personnages. Ainsi Paul s’adresse au public lors d’un repas de famille qui éveille chez le public un bon morceau de vécu, Paul nous parle et la famille se fige. Il nous livre ses confidences en un moment de fugace éternité. Tout se joue entre le public, interlocuteur privilégié et Paul. Sommes-nous dans le rêve, dans l’imagination, dans la mémoire, dans le présent, le passé ou le futur ? Abolition du temps et de l’espace pour être dans l’univers intime de Paul.

Une belle (et astucieuse) scénographie n’est rien sans des comédiens qui la peuplent et ici la direction d’acteurs de Fréderic Andrau est sans faille. Tous les comédiens semblent si parfaitement être leur personnages que l’on ne peut imaginer quelqu’un d’autre. Ce remarquable spectacle n’est que pour quelques jours à l’affiche, il faut vous précipiter toutes affaires cessantes voir cette oeuvre d’une rare beauté qui donne à voir et à réfléchir sur l’âme humaine et si l’on est lucide, sur nous.

Marie- Laure Atinault

une photo de Norbert Gabriel avec Léa Wiazemsky, Valérie Gabriel, Andréa Brusque, Fabrice Moussy et Anna Strelva

Le Mague

« La Petite Robe de Paul »

Premier roman de Philippe Grimbert, psychanalyste, auteur de trois essais : Psychanalyste de la chanson (1996), Pas de fumée sans Freud (1999) et Chantons sous la psy (2002), La Petite Robe de Paul (2001), mise en scène par Frédéric Andrau, nous fait pénétrer dans un univers de thriller psychologique des plus incisifs.

D’emblée, la genèse de La Petite Robe de Paul dégage un parfum d’absurdité et nous renvoie momentanément à du Ionesco loufoque : un beau jour, Paul, homme marié, sous l’emprise d’un achat impulsif, s’offre une petite robe blanche — taille 6 ans ! Un acte d’autant plus étrange que le couple, récemment séparé de leur fille majeure (Agnès), n’a point d’enfant en bas âge.

Cette robe, contrairement à celle coquine et voyageuse du film De Jurk (1995) du cinéaste néerlandais Alex van Warmerdam, végète dans une penderie, dissimulée par Paul, comme une prisonnière maléfique.

Rapidement, la découverte de cette petite robe blanche par Irène (la femme de Paul) produit des effets dévastateurs, réveillant à la fois démons et blessures familiales, entraînant le spectateur dans un vertigineux suspense psychologique ayant pour toile de fond la naissance et la mort avec au milieu, comme un gros point d’interrogation, la disparition des êtres et le douloureux travail de deuil.

Dans une mise en scène fluide et sobre, dénuée de pathos, le metteur en scène Frédéric Andrau nous fait rentrer comme par effraction dans un univers familial des plus tourmentés — celui des romans de Philippe Grimbert — dans lequel passé et présent, comme une indomptable morsure, paraissent inextricables. Cette histoire aux contours obscurs, enrichie d’une façon très stylisée par Andrau, nous livre progressivement un à un ses secrets…

Secret, mot-clé et titre du remarquable second roman de Grimbert Un Secret (2004), aux éditions Grasset ! D’ailleurs les deux romans se rejoignent par l’évocation de ces existences furtives et solitaires , liées aux caprices de l’Histoire (on naît, on meurt — sans beaucoup de sens)…

Le point de vue subjectif des deux principaux personnages, interprétés avec force par Fabrice Moussy (Paul) et Valérie Gabriel (Irène), s’inscrit dans un système narratif original, qui octroie une large part aux monologues confidences. Confrontés à leur propre énigme, ils tentent la difficile entreprise d’habiller de mots leur indicible manteau de souffrance étoffé par l’enfance d’Irène — détruite par le suicide de ses parents — ou le souvenir du bébé mort-né du couple.

D’une certaine façon, l’image de cette « petite robe blanche » les renvoie obsessionnellement à leur souffrance originelle, mais leur sert aussi de thérapie : Paul découvre l’existence de la mystérieuse petite fille à la robe blanche — en fait une demi-sœur — en exhumant de vieilles photos enterrées dans le jardin d’Olga (la mère de Paul). Dans Un Secret, un enfant en apparence mythomane découvrait l’existence — cachée bien sûr — d’un demi-frère.

La trame de La Petite Robe de Paul est — on l’aura compris — ouverte à de multiples interprétations psychanalytiques. Grimbert, dans son roman, nous donnait une clé : La petite robe blanche est à sa place, là où elle aurait dû se trouver depuis longtemps (…). Paul a enfin compris pourquoi il en a fait l’achat : il lui fallait vêtir un petit cadavre nu.

Décidément, La Petite Robe de Paul est une pièce bien curieuse… En tout cas un excellent cru théâtral !

http://www.lemague.net

une photo de Pascal Chantier avec Fabrice Moussy et Andréa Brusque